La registrazione in digitale segna senza dubbio un grande passo in avanti. La stessa band che avrebbe potuto investire 10.000 dollari in un album una generazione fa, può acquistare oggi una suite di plug-in Pro Tools e l'attrezzatura per registrare tutte le canzoni e gli album che vogliono.
Il digitale si è dimostrato un vantaggio anche per i proprietari di studi di registrazione, compreso me stesso. Molti di noi non potrebbero mai permettersi una console Neve o API o una Studer a 24 tracce senza chiedere un secondo mutuo. Ora, abbiamo un esercito di plug-in, compresi quelli con licenza Neve, API e Studer e molte più di 24 tracce a nostra disposizione.
Ma è vero che la praticità e la facilità del digitale hanno emarginato i migliori metodi di registrazione dell'ultimo mezzo secolo, alcuni al punto che stanno per scomparire.
"Dovremmo coprire il maledetto schermo del computer e passare più tempo ad ascoltare".
"Una delle cose che vedo sempre più spesso in questi giorni è che il processo di registrazione avviene guardando lo schermo del computer piuttosto che con l'ascolto", dice Ken Scott, il leggendario produttore-ingegnere che ha lavorato a stretto contatto con i Beatles, David Bowie e Supertramp, solo per citarne alcuni. "Dovremmo coprire il maledetto schermo del computer e passare più tempo ad ascoltare".
Quindi "ascolta" queste tecniche di registrazione vintage nella tua testa mentre leggi. Provale a casa o in un grande studio, o la prossima volta che vedrai "il maledetto schermo del computer". Un ringraziamento speciale a Scott, che ha fornito un prezioso background per questo pezzo.
1. Sintonizzarsi su chitarre non accordate
Non è mai una cattiva idea assicurarsi che gli strumenti siano accordati. Ma se ascolti il classico "Queen Jane Approximately" di Bob Dylan, l'accordatura della chitarra fa acqua da tutte le parti, veramente da tutte le parti. Nonostante ciò: chi avrebbe il coraggio di aggiustare quella canzone oggi?
In passato, l'accordatura veniva fatta ad orecchio ad un pianoforte o con ingombranti accordatori stroboscopici che pesavano più di 30 libbre. Se una band passava da registrazione a registrazione o da registrazione a sovraincisione senza fermarsi a riaccordare, questo produceva un effetto chorus in cui le parti di chitarra addensavano il suono complessivo.
2. Ricucire i mix A&B
Lavorando con Bowie, Scott ha sviluppato una tecnica in cui una traccia completa è stata mescolata in sezioni spostate in carattere sonoro. Un modo di pensare a questo oggi è quello di "giuntare" pezzi di due mix separati. O tre. O quattro. Cercate di non automatizzare ogni vostra mossa; avvicinatevi ad ogni cambio di mix separatamente e organicamente, per ottenere quella sensazione di una volta.
3. Utilizzare la velocità del nastro per le modifiche dell'ottava e dei tasti
Scott spiega che questa tecnica si sente chiaramente nel solo di George Martin in "In My Life". "Ha registrato un pianoforte a mezza velocità, dove si imposta il nastro a 7 pollici e mezzo al secondo, si suona la parte lentamente e si riproduce il nastro a velocità normale. Non solo le differenze di tempo vengono appianate: "Quando suona all'ottava normale, suona anche in un timbro diverso", dice.
4. Mixare in un altro studio
Il salto di studio era abbastanza comune nella Londra della fine degli anni '60. Quando si va in un nuovo locale per mixare e/o masterizzare, si ha una nuova prospettiva. È particolarmente consigliato mixare in un posto che possa migliorare le tracce con un salto di potenza. Fai attenzione, però: fai riferimento ad un tecnico di talento, che possa ascoltare la canzone per la prima volta e con un nuovo orecchio.
5. Ottenere il bleed
L'isolamento delle tracce decollò negli anni '70, ma i risultati furono molte registrazioni sterili. Un tono complessivo arrotondato si ottiene, ad esempio, quando la batteria entra leggermente nei microfoni per chitarra (bleeding). Mentre prepari un mix con il bleed, esamina prima tutti gli strumenti come unità. Il defunto Doug Fieger dei The Knack mi ha raccontato in un'intervista che il bleed ha aiutato la band a mixare "My Sharona" in meno di mezz'ora. E un altro fattore per centrare quella canzone è stato...
6. Farlo dal vivo
Troppe registrazioni aggiustate hanno un'aerografia sufficiente a suggerire un esercito di ingegneri del suono-chirurghi. Quando una band arriva nel tuo studio, abbi il coraggio di mandarli a casa per ulteriori prove. Al loro ritorno, riduci il numero di registrazioni invece di lavorare a una con Pro Tool fino alla morte.
Come ai vecchi tempi, l'obiettivo è quello di lavorare insieme una traccia complessiva che si riempia di energia e ti incoraggi addirittura a lasciare errori. Cosa sarebbe "Louie Louie Louie" senza il batterista frustrato che lascia cadere la bacchetta e impreca al secondo 54?
7. Creare i tuoi effetti sonori e i tuoi paesaggi
Per la canzone "School" dei Supertramp, Scott ha registrato sul campo i bambini che giocano all'esterno. Approccio paesaggi sonori con un'idea di ciò che si spera di catturare musicalmente. I bambini che giocano hanno il loro ritmo e la loro melodia astratta.
8. La stanza è tutto
Ecco il tuo Mystery Beatle: la stanza. Il tuo "musicista in più" potrebbe anche essere il tuo salotto se è ambient e fa sentire i musicisti a proprio agio. Un grande impianto di registrazione, direi, arriva secondo ad una stanza che slancia una performance pop e una band. Da notare che i pavimenti in legno massiccio e i soffitti alti aggiungeranno peso alla batteria.
9. Creare limitazioni
Quando lo spazio a quattro tracce era limitato, ingegneri e produttori facevano un "reduction mix", dove tre tracce piene venivano rimbalzate su una, e a volte rimbalzavano di nuovo quando venivano utilizzate le due tracce liberate. Questo costringeva a prendere decisioni ingegnose. In un'epoca di tracce illimitate, c'è ogni tentazione di pensare di registrare senza limiti. Ma è una buona cosa?
Per arrivare all'estremo, preferiresti registrare un amplificatore per chitarra con un microfono o 10? Pensa a come razionalizzare, semplificare e stimolare. Circondare i membri della band intorno ad un microfono ha funzionato per Bill Haley and the Comets, poi decenni dopo per i Cowboy Junkies.
10. Usare le qualità di un suono piuttosto che la qualità del suono
Molti dei dischi blues di oggi, ad esempio, "approfittano" del digitale per realizzare prodotti puliti e striduli degni di un barbecue per yuppie. Ascolta i dischi classici con rullanti sepolti (Otis Redding), fiati distorti (James Brown), e una generale corrispondenza più bassa (Motown degli anni '60 fino a Django Reinhardt). Questo non significa abbandonare le registrazioni pulite, considera solo quando un po' di tono seppia sonoro può creare un carattere molto forte.
Tutta la musica dovrebbe toccare la tua anima, le tue interiora e questo è quello che non sentiamo oggi".
Non illuderti: l'alta tecnologia non è la fine delle tecniche di registrazione storiche: sta facendo la storia creativa in sé stessa. Ma se guardiamo avanti, vale la pena di guardare indietro e vedere cosa abbiamo abbandonato dalla strada della musica.
"Tutta la musica dovrebbe toccare la tua anima e questo è quello che non sentiamo oggi", dice Scott. "Dovrebbe essere forte e morbida e non scoppiarti in faccia. Se è un po' fuori campo o fuori tempo, allora questo ti tocca, al contrario dei cantanti che entrano in studio e dicono: "La canterò una volta; la aggiustate con l'Auto-Tune e la spostate in modo che sia a tempo".
In altre parole, uno studio di registrazione vocale o performance, anche con le sue imperfezioni, ha una migliore possibilità di essere senza tempo.
SULL'AUTORE: Lou Carlozo è uno studio musicista, ingegnere e produttore con sede a Chicago ed ex redattore e scrittore di Chicago Tribune. Nel 2013 ha scritto e suonato la colonna sonora della commedia indipendente "We've Got Balls", che ha vinto numerosi premi nei circuiti nazionali dei festival.