Dans le monde de la conception de guitares, l’originalité a du bon. Jetez un œil à cette guitare par exemple, elle ne ressemble à aucune autre réalisation de la marque.
Ou celle-ci, qui semble sortie d’une autre planète. Comment ont-elles été justifiées par ceux qui les ont conçues et quel accueil leur a été réservé sur le marché ?
Cinq fabricants de guitares électriques nous ont parlé de processus de création, d’inspiration et des conséquences qui en résultent.
Au début des années 60, la marque National, basée à Chicago, développa une série de guitares hollowbody en fibre de verre Res-O-Glas, dans le but de faire des économies par rapport aux guitares traditionnelles en bois. Les nouveaux modèles en plastique étaient les modèles Glenwood, Val-Pro (devenu Newport) et Studio. Le corps des Glenwood et des Newport furent surnommés « map shape », car on disait qu'ils avaient la forme des États-Unis.
Des modèles comme que la Glenwood 99 et la Newport 88 avaient un micro monté sur le chevalet, ainsi que deux micros standards, et ne comportaient pas moins de sept réglages et un sélecteur à trois positions.
La société mère de National, Valco, utilisait également la fibre de verre pour d’autres marques, notamment Supro et la société de vente par correspondance Airline de Montgomery Ward. On trouvait aussi des guitares aux formes inhabituelles, mais réalisées en bois, comme les modèles Westwood de National.
Le patron de Valco, Al Frost, était convaincu que les guitares en plastique constituaient l'avenir.
« Au cœur de l’âge d’or du progrès scientifique », a-t-il déclaré, « il est possible de faire les choses autrement. Il existe maintenant des matériaux d’origine synthétique, supérieurs aux matériaux d’origine naturelle. Nos conceptions se doivent de mieux fonctionner, d’être plus simples à utiliser, de durer plus longtemps et d’être moins sujettes à l'usure. »
Malheureusement, cela n'a pas été si facile. Les corps avaient tendance à se fissurer, et le processus de fabrication était plus compliqué et plus long que ce que National avait imaginé. Et, en 1968, Valco avait cessé ses activités, découragé par l’achat imprudent de la société Kay, alors en difficulté.
Dean Zelinsky, qui trouvait que Gibson ignorait son héritage, décida de créer à l'âge de 19 ans la marque Dean, afin de produire des versions révisées et améliorées des classiques de Gibson.
« Il faut vous souvenir du rock de la fin des années 70 », dit-il. « Pour moi, Woodstock en 1969, c’était le début du rock moderne, et à partir de là, tout a commencé à devenir plus sophistiqué. Il n’y avait pas que la musique qui évoluait. Sur scène, les musiciens portaient des vêtements à la mode et avaient une montre, du coup le fait qu’ils jouent sur des guitares peu voyantes, conçues dans les années 50, était paradoxale ».
« Pour moi, le tapis n’était pas assorti aux coussins, si vous voyez ce que je veux dire ? Tout mon concept, » explique-t-il, « était d'apporter quelque chose de sexy et de visuel, que la guitare fasse véritablement partie du décor, mais tout en utilisant des composants de qualité sur la guitare pour la rendre désirable aux yeux des guitaristes. »
Les trois premiers modèles de Dean étaient les modèles V, Z et ML. La V et la Z ressemblaient à une Flying V et à une Explorer avec une table en bois sculpté, tandis que la ML avait un corps inédit, qui combinait intelligemment le design des deux modèles en une forme d'étoile, faisant d’elle l'une des guitares les plus pointues au monde. Des joueurs tels que Dimebag Darrell ont popularisé les premières Dean et ont aidé à établir la marque au sein de la communauté des métalleux.
Zelinsky a quitté un temps l’entreprise avant de revenir en 2000 puis repartir en 2008 afin de créer DBZ. Il crée la marque Dean Zelinsky en 2012 qu'il dirige encore aujourd'hui.
CBS a vendu Fender en 1985 à un groupe d’investisseurs dirigé par le président actuel, Bill Schultz. L'usine historique de Fullerton n'était pas incluse dans la vente, et alors que la production américaine de Fender s'arrêtait en février 1985, la nouvelle équipe cherchait encore un nouveau bâtiment.
Avant la vente de CBS, les équipes avaient travaillé sur deux conceptions radicales de guitares solid-body. La première, la Performer, était considérée à certains égards comme la compétitrice directe de la « Super Strat » de Fender, tandis que la seconde, la Katana était encore plus éloignée du style Fender. Prenant pour référence le sabre des samouraïs, elle ressemblait à une Flying V amputée.
Introduites en 1985 et fabriquées au Japon (comme toutes les autres guitares de Fender à cette époque) sous la marque Fender ou Squier, elles répondaient à la demande de formes de guitares inhabituelles et à la pression exercée par certains revendeurs pour que Fender conçoive sa propre guitare « pointy-body ».
Dan Smith, de chez Fender, se souvient s'être assis avec son Mac et avoir commencé à tester des choses sur ses logiciels de graphisme.
« J'en suis arrivé au point où j'ai dit ok, c'est aussi moche que les autres », a-t-il déclaré. « Mais beaucoup de gens trouvaient que la Katana était trop éloignée de l’identité Fender. Nous avions du mal à créer quelque chose d’innovant tout en conservant l’image de la marque. C’était à la fois un atout et un énorme défaut. »
La plupart des guitaristes ont résisté à la tendance et à la production japonaise de la Katana, et, à l'instar de la Performer, celle-ci n’a duré que quelques années.
Durant les années 80, Gibson, qui considérait les guitares Super Strat comme une menace, essaya de s’inspirer des modèles de guitares qui faisaient le beurre de Jackson, Charvel et les autres. L’US-1, présentée en 1986, s’inspirait du style Stratocaster, mais possédait un corps en balsa. Les guitaristes n’ont pas retrouvé l’identité de la marque et le modèle a rapidement disparu des rayons.
Par la suite, la marque décida de modifier quelques modèles existants en les équipant de fonctionnalités propres aux Super Strat. Gibson mixa des humbuckers avec des micros simple bobinage, des vibratos bloquants, des switchs pour changer de bobine et des repères de touches plutôt « angulaires ». Cette série de guitares résolument années 80 fut nommée la série 90 et sortit en 1988. Elles furent conçues par J.T. Riboloff, embauché par Gibson un an auparavant.
« Quand je suis arrivé pour la première fois chez Gibson, les guitares Jackson remportaient un franc succès », a déclaré Riboloff. « La « guitare de grand-père » n’avait plus la cote. J'ai conçu toute la série 90 (SG, Flying V, Explorer) afin de moderniser les modèles de la marque, avec un diapason de 25 pouces, des incrustations de nacre, etc. Je voulais installer un Floyd Rose pour commencer, mais Gibson venait de racheter Steinberger et Ned Steinberger venait tout juste de développer son tremolo KB-X, ils ont donc utilisé ce système. Quand ils sont passés sur un Floyd, ils ont retiré le binding du manche pour pouvoir l’épaissir.
Gibson a compris que les guitaristes voulaient des Gibson de chez Gibson et non des modèles style Super Strat. La série 90 a perduré jusqu'en 1990 avant que la marque décide de s’éloigner de ce style « moderne ».
Pete Malinoski, qui dirige aujourd'hui Malinoski Guitar près de Washington D.C., a commencé à fabriquer des guitares en 2005. Pete se considère à la fois comme artiste et luthier et certains de ses instruments ont été étiquetés « art guitars ».
« Je viens du monde de l’Art, et lorsqu’on débute en tant qu’artiste, on a tendance à copier le travail des autres pour s’entraîner, » dit-il. « Mais il y a moment où on s’affranchit pour créer sa propre identité. Cependant, beaucoup de luthiers restent bloqués au stade initial. Ils ne font que copier les guitares de quelqu'un d'autre, en suivant les mêmes lignes. Je veux m’éloigner au maximum de ce schéma. »
Les premiers modèles de Malinoski, comme la Rodeo et la Cosmic, peuvent effectivement être qualifiés de « conventionnels ». Mais prenez, par exemple, son Astro Logic. Les Jetson auraient pu jouer sur cette guitare, mélangeant de la fausse fourrure Velboa, des pièces d’érable destinées aux fûts de batterie et du sapin de Doublas. Pete avait pour ambition de briser les frontières entre l'artisanat, l'art et le funk.
« Vous voulez de l'art ? » demande-t-il ?. « Je vais vous en donner de l’art ! Et vous n'allez pas être déçus du voyage. L’art doit interpeller les gens et les déconcerter, pour qu’ils se sentent stupides et que cela provoque une réaction négative en eux. Ou alors c'est l'extrême opposé, surtout chez les gens très bien éduqués. Pour moi, le défi est : qu'est-ce que je fais ensuite ? Je dois trouver autre chose. Je ne sais pas ce que c'est encore. »
À propos de l'auteur : Tony Bacon écrit sur les instruments de musique, les musiciens et la musique. Il est cofondateur de Backbeat UK et de Jawbone Press. Ses livres incluent Electric Guitars: Design And Invention, History Of The American Guitar, and Electric Guitars: The Illustrated Encyclopedia. Tony habite à Bristol, en Angleterre. Plus d'infos sur tonybacon.co.uk.